Crítica do filme: 'Papa Francisco – Conquistando Corações'

Que o teu orgulho e objetivo consistam em pôr no teu trabalho algo que se assemelhe a um milagre. Dirigido pelo experiente cineasta espanhol Beda Docampo Feijóo, Papa Francisco – Conquistando Corações conta em vários recortes parte da trajetória e o modo de pensar de Jorge Mario Bergoglio (interpretado brilhantemente pelo sempre ótimo ator argentino Darío Grandinetti), o 266.º Papa da Igreja Católica e atual Chefe de Estado do Vaticano, talvez, o papa mais querido da história. O filme possui uma direção competente e um roteiro corajoso que vai da fé à política usando como palco central à telona, consegue com louvor mostrar que o cinema é uma linguagem universal, que une diversos modos de pensar, não importa sua religião.

Na linda história, baseada no livro Francisco: Vida y Revolucion, de Elisabetta Pique, conhecemos Jorge Mario Bergoglio (Darío Grandinetti), ou como gosta de ser chamado até hoje, o Padre Jorge. Somos testemunhas de sua trajetória desde o início de seu desejo em se tornar padre e todas as dificuldades que enfrentou como Arcebispo em Buenos Aires. Conflitos que vão desde o enfrentamento da ditadura militar na Argentina até a luta pelos que moram em bairros pobres em sua cidade de coração. Padre Jorge sempre seguiu seus instintos e nunca teve medo de ameaças, assim, chegou à reunião do sacro colégio de cardeais, convocado para eleger um novo pontífice (conclave) em meio a uma batalha não comentada entre os conservadores e o progressistas, se tornando Papa Francisco, sucedendo o Papa Bento XVI, que abdicou ao papado em 28 de fevereiro de 2013. Uma jornalista chamada Ana (Silvia Abascal) acompanha essa trajetória por meio de entrevistas e coberturas sobre a votação do novo Papa.

Por meio de longas e curtas passagens de tempo, conhecemos melhor Jorge, suas dúvidas, seus conflitos, o modo sozinho com que passava grande parte do seu tempo. Na adolescência, abdicou de um desejo da mãe para ser médico para entrar de vez no estudo religioso. Passando por várias fases políticas conflituosas de uma Argentina sufocada por corrupções e violência por todos os lados, se tornou Arcebisco de Buenos Aires e assim conheceu mais ainda seu povo e muitos países, sempre com sua humildade, marca forte de sua personalidade.

Cheio de frases de feito, o protagonista é uma figura emblemática para todos que acreditam em sua fé. De acordo com esse pensamento, a jornalista embutida na história representa muitos olhos de todos nós, instigados por histórias de superação e coragem que nos fazem acreditar em um mundo melhor a cada dia. Se essa jornalista existiu ou não, não sabemos, o importante é que ela se torna uma grande interseção com as verdades do mundo real.

Histórias que refletem a realidade e conseguem objetivos que mexem com a nossa maneira de pensar e sentir o mundo em que vivemos merecem ser conferidas.

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Crítica do filme: 'El hombre de las mil caras'

O risco de uma decisão errada é preferível ao terror da indecisão. Vencedor de dois prêmios Goya (uma espécie de Oscar espanhol) nesse ano, nas categorias melhor ator revelação e melhor roteiro adaptado, El hombre de las mil caras é um suspense policial embasado em uma trama extremamente detalhista e com muitas surpresas em seu curso. Dirigido pelo ótimo cineasta espanhol Alberto Rodríguez (do excelente e recentemente lançado no Brasil Pecados Antigos, Longas Sombras) a fita lembra muito filmes antigos de espionagem e promete agradar grande parte do público. A história é baseada em fatos reais, o protagonista, ex-espião Francisco Paesa, realmente existiu.

Na trama, acompanhamos a vida de Francisco Paesa (interpretado pelo veterano ator Eduard Fernández), um homem que era usado como agente secreto do governo espanhol e acaba tendo que fugir do país após ser reconhecido. Anos mais tarde ele volta a Espanha, sem dinheiro e com a vida pessoal com problemas. Mas uma oportunidade cai do céu quando um figurão do governo espanhol Luis Roldán (Carlos Santos) é pego de acusações e precisa de proteção. Aí que Paesa entra em ação em jogos típicos de trapaceiros e impostores que sempre estão um passo a frente das autoridades.

Adotando uma narrativa muito interessante, contada por um dos amigos de Paesa, Jesús Camoes ( José Coronado), um piloto que se tornara o braço direito do protagonista, o filme passa um raio-x em algumas das mais intensas operações secretas do governo espanhol nos últimos anos. O roteiro, baseado no livro homônimo de Manuel Cerdán, é impressionante, narra detalhes profundos no jogo de gato e rato da espionagem espanhola além de seus conseqüentes escândalos políticos que afetaram todo um governo.

O clímax da história é situado na década de 90 no famoso Caso Roldán. Paesa viu a oportunidade de enganar a tudo e a todos e bolou um plano maquiavélico que envolveu dezenas de pessoas, um estudo e experiência profundos em como fugir da burocracia de bancos, políticos e até mesmo do próprio contratado. É claro que há uma mescla de fatos reais e fatos fictícios quando transformam uma história real dessas para o cinema, mas os pontos principais foram mais ou menos o que realmente aconteceram na realidade. Destaque para o ótimo elenco e principalmente Carlos Santos (que interpreta Roldán, obs: não é o Javier Cámara) e Eduard Fernández (o protagonista).

Sem previsão de estreia nos cinemas brasileiros, torcemos para que chegue algum dia por aqui, El hombre de las mil caras é um dos melhores filmes policial/espionagem feitos nos últimos anos. Não percam!

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Crítica do filme: 'Um Homem Chamado Ove'

O mau-humor é quando nem imaginam o quanto você necessita de um amigo. Uma das grandes surpresas na listas de indicados a melhor filme estrangeiro no último Oscar, o longa metragem sueco Um Homem Chamado Ove é uma daquelas fábulas modernas que usa da característica marcante de seu protagonista, o mal humor, para sorrir e emocionar centenas de plateias mundo a fora. Dirigido pelo cineasta sueco Hannes Holm, o filme que ainda está em cartaz em parte do circuito brasileiro, gera diversas lições que envolvem a amizade, a vivência em comunidade e o amor.

Baseado no livro A Man Called Ove, de Fredrik Backman, Um Homem Chamado Ove conta a história de um senhor já na terceira idade chamado Ove (Rolf Lassgård, que fez o excelente Depois do Casamento de Susanne Bier) que vive seu cotidiano isolado de todos e vivendo em um conjunto habitacional que ele mesmo ajudou a fundar. Já sem muitas alegrias, principalmente pelo abalo que o falecimento da esposa causou em sua vida, tenta a todo instante cometer o suicídio e sempre algo acontece na hora do ato final. A vida desse personagem, completamente rabugento, começa a mudar um pouquinho com a chegada de seus novos vizinhos e Ove começa a repensar melhor sobre o simples ato de viver.

Tudo nessa história gira em torno de seu complexo protagonista. O elo de ligação com o público chega por meio de flashbacks onde aos poucos vamos conhecendo melhor esse já grande personagem do cinema sueco. Suas tristezas, a emoção do primeiro encontro com a esposa e o momento decisivo em sua vida com o falecimento da mulher que sempre o entendera e transformava seu mundo em um lugar feliz. O paralelo com o presente chega na figura dos novos vizinhos, completamente amáveis, que transformam os últimos anos de vida de Ove em algo parecido com felicidade e bem estar.

Um pouco longo demais talvez, por conta dos detalhados flashbacks que acompanham o roteiro, cerca de duas horas de filme, Um Homem Chamado Ove exala lições, mexe com nossos corações e dá uma baita vontade de ligar para nossos avós para saber se está tudo bem. Um filme que definitivamente vai ter um lugar marcado em nossas memórias cinéfilas.

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Crítica do filme: 'Mine'

Matamos o tempo, o tempo nos enterra. Debutando em longas metragens, os cineastas italianos Fabio Resinaro e Fabio Guaglione conseguem passar com louvor nesse primeiro teste. Unindo um clima de tensão com metáforas psicológicas pra lá de convincentes, Mine é um daqueles filmes surpreendentes que precisam de uma boa atuação de seu protagonista para que a mágica aconteça. E acontece. Ao longo dos 106 minutos, kafkianos e labirínticos portas de possibilidades se abrem em meio a uma situação inacreditável vivida pelo protagonista, interpretado pelo ator Armie Hammer.

Na trama, conhecemos o sargento do exército norte americano Mike (Armie Hammer), um homem que fora mandando para lutar em território inimigo. Em uma missão, jutamente com seu colega de pelotão Tommy (Tom Cullen), acaba enfrentando um grande desafio quando, precisando andar a pé para o ponto de resgate pelo restante de seu pelotão, acaba pisando em uma mina terrestre em meio a um deserto de sol escaldante. Lutando contra o tempo e usando apenas as ferramentas que tem em seu uniforme, sem tirar o pé da bomba, precisará contar com muita força mesmo quando memórias cruéis o assombram durante essas horas de terror.

O filme é angustiante em grande parte do seu tempo. O protagonista é um homem atormentado por seu passado, problemas com o pai, o falecimento da mãe o relacionamento conturbado com a namorada. Tudo isso volta que nem um vulcão em cada segundo das intensas horas que passa no deserto completamente sozinho em grande parte desse tempo. A atuação de Armie Hammer é digna de elogios, passa para o público uma dor incansável e toda a agonia do momento, principalmente quando o fator psicológico do personagem começa a falhar e alucinações vindas em forma de metáforas, dignas de longas horas com um psiquiatra, começam a aparecer.

A luta pela sobrevivência em situações extremas é algo bastante complexo de ser filmado, e nesse caso com mil possibilidades de o filme cair em armadilha tão complexa quanto a enfrentada pelo protagonista, mas essa é exatamente a margem que o roteiro alcança para preencher com informações sobre o passado de Mike o que eleva a qualidade do filme. A direção é bem detalhista, principalmente no primeiro arco, com poucos recursos consegue ser magistral em seu enredo e definições finais de todos os elementos envolvidos na trama.

Mine não tem data para estrear no Brasil mas torcemos para que o filme chegue ao circuito exibidor. Em meio a tantas possibilidades que ficam no meio termo entre blockbuster e filmes independentes, esse é um filme que você não pode perder.

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Crítica do filme: 'Insubstituível'

O melhor médico é aquele que mais esperança infunde. Chega aos cinemas brasileiros na próxima quinta-feira (09) o drama com pitadas cômicas Insubstituível. Escrito e dirigido pelo cineasta francês Thomas Lilti (do interessante Hipócrates), o longa metragem de 102 minutos é filme maduro sobre a última idade e o profissionalismo em uma carreira onde o carinho precisa ser um dos complementos diferenciais. No papel principal, o astro francês François Cluzet, em ótima atuação.

Na trama, conhecemos o experiente médico Jean-Pierre Werner (François Cluzet), um homem que enfrenta uma grave doença e precisa se reinventar no seu lado profissional onde cuida com visitas a domílicio, e, em um pequeno consultório, de pacientes das mais diversas idades de uma região afastada dos grandes centros no interior da França. Buscando um pouco de descanso em sua meticulosidade que beira ao perfeccionismo, Jean-Pierre precisa de um substituto para tantas funções que exerce e assim chega ao lugar a ex-enfermeira e agora quase doutora Nathalie (Marianne Denicourt) que precisará enfrentar a rabugentice detalhista do experiente doutor para provar seu valor.

Um dos méritos desse bom trabalho é ser bem objetivo em seu roteiro. Temos no primeiro arco, um pouco extendido, preenchimentos de lacunas que moldam a personalidade séria do protagonista. Suas angústias e sua maneira de lidar com os problemas causam bastante impacto nessa personalidade, explorada mais pra frente na narrativa. O filme carece de um grande clímax o que poderia ter uma maior identificação com o público e mais rapidamente. Os últimos arcos, com algumas camadas profundas, outras nem tanto, deixam a tela toda para o grande brilhar de François Cluzet e sua notável atuação. Nomeado ao César (uma espécie de Oscar Francês) desse ano por esse trabalho, o veterano ator francês se entrega ao seu carrancudo personagem com muita delicadeza e honestidade. Uma das inúmeras belas interpretações desse gigante artista que ficou muito mais conhecido após seu inesquecível papel no filme Intocáveis.

Insubstituível não é um filme feito para rir, as camadas cômicas são bem leves e objetivas, as emoções vão contaminando nossos corações aos poucos fruto das lições que o filme carrega no saber lidar com cada subtrama (a dos pacientes) com muita delicadeza, assim, entendemos melhor o valor da maturidade e o reflexo de nossas ações perante a comunidade que vivemos, talvez, o grande e importante paralelo com muitas outras histórias da vida real.

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Crítica do filme: 'Mulheres do Século 20' (20th Century Woman)

Viver é a coisa mais rara do mundo. A maioria das pessoas apenas existe. Após o tocante Toda Forma de Amor, o cineasta e roteirista californiano Mike Mills volta às telonas, seis anos depois de seu último trabalho, para apresentar ao público, provavelmente, sua grande obra prima no mundo mágico da sétima arte. Mulheres do Século 20, roteiro que emociona os corações mais durões, suas atuações acima da média um desenrolar em forma de retrospectiva que faz análises de uma cultura pop que marcou gerações e debate com muita inteligência a visão de diversas pessoas de idades diferentes sobre o tão complicado e revigorante é o simples ato de viver. 

Na trama, ambientada no final da década de 70 nos Estados Unidos, acompanhamos a complexa saga de Dorothea Fields (Annette Benning, em atuação deslumbrante) que precisa criar seu filho Jamie (Lucas Jade Zumann) sozinha e enfrenta as inúmeras transformações da fase adolescente do mesmo. Ao mesmo tempo, aluga quartos em sua casa para duas almas solitárias: a amante de fotografia, ex-moradora de Nova Iorque, Abbie (Greta Gerwig) que vem enfrentando uma doença ingrata e incertezas sobre seu futuro, e também, William (Billy Crudup) um faz tudo que teve diversos relacionamentos e vira uma espécie de faz tudo para sobreviver. Mesmo não alugando quarto, nem sendo filha de Dorothea,  Julie (Elle Fanning) é uma peça importante do quebra cabeça principalmente por sua forte relação com o filho da protagonista. Todos esses personagens passarão por diversas situações e buscarão ajuda uns nos outros para vencer todos os obstáculos sempre à procura da tão sonhada felicidade.

Adepta da ideia de que ter uma decepção amorosa é uma ótima maneira de entender melhor o mundo, revisando suas ações todos os dias sem largar seu hábito de fumar, usando papete (uma sandália estilo antigo) porque é uma contemporânea, nunca namorando o mesmo homem por muito tempo , a incrível protagonista deste belíssimo trabalho, Dorothea, debutando a maternidade já na casa dos 40, busca a cada ano que passa entender melhor seu filho adolescente. As situações que passa são inúmeras: a cena punk da década já mencionada, suas visões e ações sobre o tão falado feminismo, a política e suas posições. Passa por uma transformação quase radical quando resolve adotar a todos que circulam sua casa na criação de seu meu amor no mundo. Dorothea é uma mulher forte, de atitude e ao longo das quase duas horas de projeção vamos vendo ela se reinventando e redescobrindo sonhos perdidos. Uma super heroína da maternidade, uma mulher à frente de seu tempo. 

Como complemento à saga da personagem principal, vemos um olhar perdido mas muito inteligente de Abbie que adiciona diversas lições a essa história. Correndo pela beirada e sem muito destaques mas com muitos momentos em fortes e emocionantes diálogos com os que os cercam, William, um homem gentil que tenta a cada dia entender melhor as mulheres. Talvez uma das peças mais complexas nesse quebra cabeça sobre a vida, Julie, que possue uma forte ligação com a família da protagonista mas que em sua própria casa se sente distante, invadindo o quarto de Jamie quase todas as noites, onde se sente bem e feliz com a simples amizade (na visão dela). Já Jamie é cercado de todas essas histórias com alguma experiência, vive meses de grandes descobertas buscando marcar seu lugar no mundo. 

O filme, que estreia no final de março no circuito exibidor brasileiro e foi absurdamente esquecido em várias categorias do Oscar deste ano, é uma grande lição de vida, apresenta mais argumentos aos debates sobre o feminismo tudo isso e mais um pouco reunidos em um roteiro sublime que nunca deixa suas lacunas sem argumentos convincentes. Sem dúvidas, esse trabalho é um daqueles que não serão esquecidos facilmente pelos milhares de corações que ficarão emocionados com essa linda história. Resumindo, o coração cinéfilo sempre fala mais alto sobre qualquer premiação.

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Crítica do filme: 'Sangue Pela Glória'

A força de vontade deve ser mais forte do que a habilidade. Produzido pelo cineasta Martin Scorsese, diretor lendário do inesquecível Touro Indomável, Sangue Pela Glória conta uma incrível história de superação de um boxeador que precisou encarar obstáculos difíceis para se tornar uma lenda no mundo do Boxe. O roteiro, assinado pelo próprio diretor do longa, Ben Younger (Terapia do Amor), é bem profundo e com vários arcos importantes para criar um grande elo de interação com o público. O filme até que começa meio morno mas aos poucos vai conquistando não só os cinéfilos mas também aos amantes desse esporte adorado pelos norte americanos. 

Na trama, conhecemos o pugilista Vinny Pazienza (Miles Teller), um esportista adorado pelos fãs que vem em constante ascensão na carreira. Dias depois de mais uma grande vitória na carreira, pega uma carona em um carro luxuoso que acaba sofrendo um grave acidente numa estrada norte americana. Ficando entre a vida e a morte durante grande tempo, quando acorda do coma induzido descobre que será muito difícil conseguir andar e praticamente nulas as chances de voltar a praticar o esporte que tanto ama. Contando com a ajuda de seu treinador Kevin Rooney (Aaron Eckhart), que treinara anos mais cedo o inesquecível Mike Tyson, Vinny resolve arriscar sua própria saúde e aos poucos volta a treinar em grande nível tendo a incrível chance de conquistar mais um título mundial.

Será essa a verdadeira história de Rocky Balboa? Ítalo-americano, dono de uma reviravolta poucas vezes vistas no mundo do esporte, aclamado pelo público e crítica especializada norte americana. Vinny Pazienza é quase um super herói no meio do boxe. Tendo seu começo no esporte através da academia de seu pai e por ter como ídolo o ícone mundial Muhammad Ali, The Pazmanian Devil, como era conhecido no meio, se doava bastante no ringue saindo muitas vezes direto para o hospital mesmo em alguns casos vencendo suas lutas. O filme retrata sua trajetória de maneira veloz mas precisa, focando principalmente nos seus treinos com o icônico treinador Kevin Rooney (Aaron Eckhart em uma de suas melhores atuações na carreira) e sua relação intensa com sua família, principalmente seu pai Angelo (Ciarán Hinds). 

Com previsão de estrear no Brasil em abril desse ano, Sangue Pela Glória é mais um filme que fala sobre o universo do boxe mas que deixa sua marca principalmente por conseguir ter em seu interessante roteiro transbordar para a telona a alma desse campeão não só dos ringues mas um exemplo de como nunca desistir de seus sonhos.

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Crítica do filme: 'A Jovem Rainha'

A coragem e a determinação constituem a força motivadora do desenvolvimento. Contando a história real da determinada e polêmica rainha da Suécia, no Século XVII, Cristina I,  o diretor finlandês Mika Kaurismäki (do ótimo O Ciúme Mora ao Lado) traz para a telona uma recriação desse impactante momento da história mundial focando não só na personalidade extremamente forte da protagonista mas também dando boa ênfase a direcionamentos religiosos que contornaram vários reinos nos séculos passados e sua curiosa amizade com pensadores da época como René Descartes. Protagonizado pela ótima atriz sueca Malin Buska e com os ótimos coadjuvantes Sarah Gadon e Michael Nyqvist, o filme se caracteriza também por ser uma boa aula de história vista na telona, mesmo sendo apenas um recorte de um tempo cheio de conflitos de pensamentos.

Na trama, conhecemos a determinada Cristina I (Malin Buska), que é coroada rainha da Suécia, para o desgosto de muitas pessoas pelo fato de ser mulher. Cristina era a única filha legítima do rei Gustavo Adolfo da Suécia e da sua esposa, a princesa Maria Leonor de Brandemburgo. Sendo criada com aulas de espadas e leitora assídua de grandes clássicos da humanidade, sucedeu seu pai no trono da Suécia com apenas seis anos de idade, sendo coroada quando chega a maioridade, logo depois do até então rei ser morto na Batalha de Lützen. Cristina pensa diferente de muitos influentes do seu reino, como o Chanceler Axel Oxenstierna (Michael Nyqvist), e tem gigantescos planos para dar um verdadeiro fim na famosa Guerra dos 30 anos e desenvolver a cultura na Suécia, o que acaba deixando a Rainha em evidência e com muitos inimigos em seu próprio lar. A situação piora quando acaba se apaixonando por uma mulher, a Condessa Ebba Sparre (Sarah Gadon). 

O primeiro arco é composto de um andamento corrido, explicando com peças soltas como a protagonista assumiu seu trono após a morte de seu pai. Após essa breve explicação, que talvez precise de mais referências para quem se interessar por essa história, o filme foca nas principais ações da Rainha esquecendo um pouco de sua personalidade que são marcadas de alguma forma nos intensos diálogos que possui com seus conhecidos ao longo dos 105 minutos de projeção. Sua paixão pela condessa Ebba Sparre, questão de discórdia no seu reino e na Europa como um todo nos séculos passados, acaba ganhando contornos novelescos mas que de alguma forma, também, consegue explicar as angústias e determinações em suas escolhas. 

Uma das figuras mais influentes na política europeia do século XVII, feminista que estava adiante de seu tempo e procurou viver como pensava, Cristina I, tinha suas próprias linhas no ato de pensar. O filme foca nisso principalmente quando apresenta suas agradáveis leituras e amigos pensadores como Rene Descartes (Patrick Bauchau) que chega a visitá-la e orientá-la sobre algumas de suas posições. Talvez a mais polêmica de suas atitudes, sendo filha de um protestante ferrenho, causou um escândalo na comunidade sueca quando abdicou de seu trono convertendo-se ao Catolicismo em meados de 1600, o filme em seu terço final se desenrola para mostrar esse ato que ficou marcado na história europeia.

A Jovem Rainha pode ser visto com muitos como uma grande aula de história, com seu ar épico e com grandes destaques em seu elenco. Poderia ter um andamento mais profundo mas não deixa de ser um bom filme.

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